Ornette Coleman, innovative Kraft in Jazz und moderner Musik, stirbt im Alter von 85

Ornette Coleman, dessen Free Jazz-Auftritte gleichermaßen gelobt und verurteilt wurden, der jedoch als eine der originellsten und innovativsten Kräfte der modernen Musik anerkannt wurde und spät in seiner Karriere mit dem Pulitzer-Preis und einem Grammy Award für sein Lebenswerk ausgezeichnet wurde, ist gestorben Donnerstag in New York City. Er war 85.

Sein Tod wurde von einem Publizisten, Ken Weinstein, bekannt gegeben. Die Ursache wurde nicht bekannt gegeben.



Mr. Coleman war ein Altsaxophonist und Komponist, der 1959 mit dem Album The Shape of Jazz to Come aus der Vergessenheit trat, das eine revolutionäre Wirkung hatte. Mit seiner Band, der mehrere zukünftige Stars angehörten, verließ er die traditionelle Struktur von Jazzrhythmus und -harmonie, um eine unorthodoxe Ästhetik der musikalischen Freiheit zu schaffen.

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1960 veröffentlichte Mr. Coleman ein Album namens Free Jazz, auf dem zwei verschiedene Gruppen gleichzeitig spielten. Der Satz wurde zu einer neuen Musikschule, die von einem spontanen, manchmal frenetischen Sinn für Improvisation geprägt war, und Mr. Coleman wurde als ihr führender Praktiker angesehen.

Er beschrieb seine Arbeit schließlich als Harmonodics – eine Kombination aus Harmonie, Bewegung und melodischen Motiven zu einer fließenden, ungebundenen Musik, die sich aus einer zentralen Idee entwickelt.

Ornette Coleman tritt 2006 auf. (Martial Trezzini/EPA)

In den meisten Jazz-Settings, sagte er 1993 der Londoner Independent-Zeitung, gab es immer die Person, die vorne stand und die anderen Jungs ihn unterstützten, wie ein Sänger. Aber in der Harmonik kommen alle nach vorn.

Zwischen 1958 und 1962 veröffentlichte Herr Coleman 10 Alben, die einen tiefgreifenden Einfluss auf Jazzmusiker wie John Coltrane, Eric Dolphy, Archie Shepp und Albert Ayler sowie auf spätere Künstler, darunter Punkbands und klassische Komponisten, hatten. Mehrere seiner frühen Kompositionen, darunter Frieden , Einsame Frau und Dreh dich um , sind zu Jazz-Standards geworden.

Von Anfang an gab es jedoch keine neutralen Ansichten über Mr. Coleman und seine Musik: Er galt entweder als prophetisches Genie oder als Scharlatan.

Kein Musiker habe das Jazz-Establishment jemals so aufgewühlt wie Coleman, schrieb der Kritiker Gary Giddins 2008 im New Yorker. . .Coleman zuzuhören kann für den Uneingeweihten eine beruhigende Erfahrung sein.

Viele Leute, auch seine Musikerkollegen, konnten die grenzenlosen, oft dissonanten Klänge von Mr. Colemans Saxophon und seinen Bandkollegen nicht fassen. Nach einem Auftritt soll ihm Schlagzeuger Max Roach in den Mund geschlagen haben. Der Trompeter Miles Davis stellte Mr. Colemans Verstand offen in Frage. Ein anderer Jazzstar, der Trompeter Roy Eldridge, sagte 1961 dem Magazin Esquire: Ich glaube, er jiving, Baby.

Aber Mr. Coleman hatte auch viele Bewunderer, darunter den Dirigenten und Komponisten Leonard Bernstein sowie den Schriftsteller und klassischen Komponisten Virgil Thomson. Der Pianist John Lewis, einer der Gründer des Modern Jazz Quartet, bezeichnete Mr. Coleman als den wichtigsten Jazzmusiker seit Charlie Parker.

Im Laufe der Zeit griff Mr. Coleman als Ein-Mann-Avantgarde über den Jazz hinaus in andere musikalische Formen. Er spielte gelegentlich Trompete und Geige und begann in den 1970er und 1980er Jahren, elektronische und Funkstile zu erforschen. Er komponierte für verschiedene kleine Jazzensembles und Kammermusikgruppen. Seine sinfonische Komposition von 1972, Himmel von Amerika , ist in das klassische Repertoire eingegangen.

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Mr. Coleman entlehnte sich von verschiedenen internationalen Traditionen, darunter mexikanische Mariachi und marokkanische Volksmusik. Er trat im Konzert mit den Grateful Dead auf, veröffentlichte ein Album mit dem Gitarristen Pat Metheny und wurde auf europäischen und japanischen Festivals vorgestellt, die ihm gewidmet waren
Musik.

In den USA fand er verspätet Akzeptanz, was durch mehrere Konzerte belegt wurde im New Yorker Lincoln Center. 1984 wurde er vom National Endowment for the Arts zum Jazz-Meister ernannt und erhielt 1994 ein Genius-Stipendium der MacArthur Foundation.

Sein Album von 2006, Laute Grammatik , das aus so unterschiedlichen Quellen wie Igor Strawinsky und dem Blues schöpfte, erhielt 2007 den Pulitzer-Preis für Musikkomposition. Im selben Jahr wurde Mr. Coleman mit mehr als 30 anderen Musikern im Kennedy Center als lebende Jazzlegenden geehrt.

Er erhielt auch einen Grammy für sein Lebenswerk – obwohl keine seiner Aufnahmen jemals eine Einzelperson erhielt
Grammy.

Wie die besten Revolutionäre, schrieb der Jazzkritiker Whitney Balliett 1965 im New Yorker, sei er ein als Primitiv verkleideter Highbrow. Er war ein weitgehend ungeschulter Musiker, der mit einem Sprung direkt aus der Vergangenheit (Charlie Parker, Country-Blues, Rock-and-Roll) ins Unbekannte überging.

Randolph Denard Ornette Coleman wurde am 9. März 1930 in Fort Worth geboren. Er war ein Kind, als sein Vater starb, und seine Mutter war Schneiderin und Hausangestellte.

Er begann als Teenager Saxophon zu spielen und wurde laut dem Biografen John Litweiler dafür gerügt, während der Aufführung seiner Schulband von John Philip SousasLivingmax-Marsch improvisiert zu haben.

Mr. Coleman schloss sich in seiner Heimat Texas reisenden Rhythm-and-Blues-Gruppen an und versuchte schon als Teenager, in seiner Musik und seinem Aussehen ikonoklastisch zu sein. Schon 1950 trug er die Haare bis zu den Schultern und spielte ausgefallene Soli, die bei den Zuhörern Verwirrung und Bestürzung provozierten. Nach einem Auftritt in Louisiana wurde er Berichten zufolge von einem Mob geschlagen, dessen Mitglieder sein Saxophon von einer Klippe warfen.

In den frühen 1950er Jahren ließ sich Herr Coleman in Los Angeles nieder, wo er als Aufzugsführer arbeitete und ein unabhängiges Musikstudium begann. Sein Altsaxophon war aus Plastik. Als er versuchte, bei Jam-Sessions mitzusitzen, wurde Mr. Coleman von etablierteren Musikern oft verspottet oder ignoriert.

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Aber er blieb hartnäckig und fand Wege, auf seinem Saxophon Mikrotöne zu erzeugen, die den gängigen Vorstellungen von Tonhöhe und Tonart widersprachen.

Vielleicht ist das Haupthindernis für größere Popularität, schrieb Giddins im New Yorker, genau die Qualität, die seine Leistung ausmacht: der rohe, schroffe, vokalisierte, seltsam gestimmte Klang seines Altsaxophons. Von Fans als einzigartig, strahlend schön angesehen, ist er wie kein anderer Sound im oder außerhalb des Jazz.

Leise gesprochen, aber in seiner Herangehensweise an Musik leise überzeugend, versammelte Mr. Coleman eine Gruppe gleichgesinnter Musiker, darunter der Trompeter Don Cherry, der Bassist Charlie Haden und die Schlagzeuger Ed Blackwell und Billy Higgins, die den Kern seiner frühen Bands bildeten.

Obwohl Mr. Coleman 1967 das erste Guggenheim-Stipendium für Jazzkomposition erhielt, kämpfte er jahrelang um Anerkennung. Erst in den 1980er Jahren etablierte er sich fest. Festivals, Dokumentarfilme und musikalische Hommagen erinnern an seine Leistungen.

Seine Ehe mit der Dichterin Jayne Cortez wurde geschieden. Ihr Sohn, Denardo Coleman, wurde im Alter von 10 Jahren Schlagzeuger seines Vaters und arbeitete bis zuletzt mit ihm zusammen. Mr. Coleman schrieb und spielte bis kurz vor seinem Tod weiterhin Musik.

Er mag der Vater des Free Jazz gewesen sein, aber seine Auffassung von der Musik war kontrollierter als die unkanalisierten Piepsen und Kreischen, die später zum Synonym für diesen Stil wurden. Die Musik von Mr. Coleman hatte etwas bewusst Komponiertes und Zielstrebiges, auch wenn sie in unerwartete Richtungen floss.

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Er hat nie für die Massen geschrieben, aber die seltsame Schönheit seiner Musik übt weiterhin einen eindringlichen, immer tieferen Einfluss auf den Klang unserer Zeit aus.

Wenn er mit dem Rest der Musikwelt nicht im Einklang ist, schrieb Giddins über Mr. Coleman, ist er immer im Einklang mit sich selbst.

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