Sie sind Frauen, sie sind schwarz und sie machen keine Kunst darüber

Eine neue Ausstellung im National Museum of Women in the Arts stellt sich zwei falschen Annahmen, die in der Kunstwelt verankert sind. Erstens sollten Frauen weibliche Kunst machen und zweitens, dass afroamerikanische Künstler figurative und aktivistische Kunst machen sollten, Werke, die sich mit Fragen der Rasse, Ungleichheit, Ungerechtigkeit und der langen Geschichte der Gewalt gegen Schwarze auseinandersetzen.

Magnetic Fields: Expanding American Abstraction, 1960s to Today konzentriert sich auf schwarze Künstlerinnen, die jenseits oder außerhalb dieser Diktate arbeiten. Die Arbeit umfasst feurige Abstraktionen aus klumpigen Farbmeeren und zarte Drucke in Rosatönen und raffiniertem Maßwerk. Einige Gemälde brechen von den Wänden ab und dominieren den Raum; andere intime Stille und ziehen den Betrachter immer näher an ihre rätselhafte Zurückhaltung. Aber alle trotzen ästhetischen Erwartungen, die in den willkürlichen Kategorien von Rasse und Geschlecht wurzeln.

Wie ein einleitender Essay zum Ausstellungskatalog erklärt, arbeiten diese Künstler an einer Peripherie einer Peripherie einer Peripherie. Wo sind diese multiplen Peripherien? Berücksichtigen Sie in keiner bestimmten Rangfolge das erste Geschlecht und die Abstraktion. Bis Mitte des letzten Jahrhunderts wurde das Feld von Männern dominiert, die die Ideen des 19. Jahrhunderts über den heroischen Künstler und die dämonischen Kräfte des emotionalen Ausdrucks umfunktionierten. Frauen, die in nicht objektiven Stilen arbeiteten, wurden übersehen, an den Rand gedrängt oder falsch interpretiert. Wenn sie es schafften, aus eigener Kraft erfolgreich zu sein, lag es oft daran, dass die von ihnen verwendete Bildsprache Erwartungen an ihren Körper und ihr Verhalten widerspiegelte, kleine, zarte Gesten, gedeckte Farben oder sich wiederholende Formen das Auge beruhigten. Es gab natürlich Ausnahmen, aber die Ausnahmen bestärkten traditionelle Erwartungen auf die übliche Art und Weise, wie sich die Macht verteidigt: Sie werfen uns vor, Sie auszuschließen oder zu marginalisieren? Nun, dieses einsame Gegenbeispiel untergräbt Ihre Anschuldigung.

Betrachten Sie als nächstes die Rasse. Der zeitliche Rahmen dieser Ausstellung verfolgt die Kunstgeschichte vom Höhepunkt der Bürgerrechtsbewegung in den 1960er Jahren bis zur Black Lives Matter-Bewegung unserer Zeit. Viele der hier eingeschlossenen Frauen widersetzten sich dem Zug, Kunst zu machen, die explizit politisch war oder sich direkt mit der schwarzen Erfahrung befasste. Abstrakte Kunst wurde oft in rassischen Begriffen gesehen, als eine von weißen Künstlern praktizierte Eliteform. Von schwarzen Künstlern wurde erwartet, dass sie über schwarze Ideen meditieren und eine visuelle Sprache verwenden, die aus Ideen über die afrikanischen Wurzeln der Afroamerikaner oder der Diaspora-Erfahrung abgeleitet wurde.

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Mildred Thompson, eine der besten Künstlerinnen dieser Ausstellung, hätte nichts davon. Symbole zu kopieren, die man nicht versteht, bewusst eine Form zu verwenden, die man nicht zu analysieren oder zu schätzen weiß, sei für mich der Höhepunkt der Prostitution, sagte sie. Und sie war nicht bereit, die Abstraktion an Elite-Künstler abzugeben: Vielleicht hatte ich meine Schwärze schätzen gelernt, weil ich mit ‚whitey‘ gelebt und studiert hatte.

Es ist ein starkes Statement der Unabhängigkeit, das ständig von den tief verwurzelten Gewohnheiten von Kritikern, Kuratoren, Wissenschaftlern, Sammlern und Publikum in Frage gestellt wird.

Die enthaltene Kunst fühlt sich also durchsetzungsfähig, demonstrativ, direkt und unmissverständlich an. Aber gibt es über diese gemeinsame Sensibilität hinaus Verbindungen zwischen diesen Werken? Gibt es Affinitäten in Bezug auf Stil oder Detail, die ein einzelnes Werk mit den 40 anderen in der Ausstellung verbinden? Gibt es etwas, das über den einzelnen Künstler hinausgeht?

Dies ist ein gefährliches Territorium. Wenn Sie einmal nach diesen Links suchen, riskieren Sie, genau das einzuschränken, was die Künstler zu bewahren versucht haben: Die Individualität und der Ausdruck sui generis jedes Werks.

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Dennoch scheint es Spuren von Gemeinsamkeit oder Verwandtschaft zu geben, insbesondere darin, wie mehrere Werke ein Gefühl der Spaltung oder Teilung ausdrücken. Vielleicht erfasst dies, wie Macht auf uns wirkt, die Art und Weise, wie sie eine Spaltung nicht nur zwischen sozialen Gruppen schafft, sondern auch in unserem Selbstverständnis. Macht sagt uns, was wir sein sollten, unabhängig davon, wer wir wirklich sind. Sie trennt uns von unserer angeborenen Würde und prägt unseren Ideen, unseren Gaben, unseren Beiträgen ihren eigenen Preis.

In einer großen und dynamischen Komposition von Shinique Smith, Whirlwind Dancer, ist das Dekolleté physisch. Das Gemälde scheint zunächst ein einziges, einheitliches Objekt zu repräsentieren, eine Art Wirbel oder Wirbelwind, der das Material und den Schutt eines halben Jahrhunderts Malerei zu einem sich windenden, wogenden Ausdruck reiner Energie aufgesaugt hat. Aber dies sind eigentlich zwei Leinwände, die verbunden sind, und wenn Sie diese Naht studieren, stellen Sie fest, dass Linien oder Formen die Teilung nur an wenigen Stellen durchqueren. Diese Metapher einer Energie, die ganz ist, obwohl sie über eine Lücke oder einen Riss verteilt ist, ist die Essenz der Kraft der Arbeit.

Eine Skulptur von Barbara Chase-Riboud, deren Bronze- und Stoffstelen diesen Herbst in der Michael Rosenfeld Gallery in New York zu sehen sind, ist horizontal geteilt, ein Stoffrock scheint das enorme Gewicht eines bronzenen Torsos zu tragen. Die Statue inszeniert einen Dialog, den viele Menschen innerlich spüren, zwischen einer Urangst, dass alles zusammenbrechen könnte, und einem berauschenden Gefühl, dass wir es irgendwie schaffen, es im Äther des Nichts schweben zu lassen.

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Jennie C. Jones wird durch Arbeiten repräsentiert, die mit Akustikplatten klassische, minimalistische Abstraktionen schaffen. Aber die akustischen Tafeln bringen Andeutungen der Stille mit sich und eine Dichotomie, die der von Chase-Riboud nahelegt: Handelt es sich um Stille, die die Leinwand ist, auf der Musik geschrieben wird, und eine befreiende spirituelle Kraft, oder um den Akt der zum Schweigen zu bringen, was ist die erste und grundlegende Strategie der Macht?

Diese Dichotomien ziehen sich durch die gesamte Ausstellung. In einem besonders atemberaubenden Werk, einem unbetitelten Gemälde von Howardena Pindell aus den Jahren 1972-73, ist die Leinwand mit kleinen Punkten bedeckt, die die gleiche Größe wie die kleinen runden Papierfetzen haben, die bei der Verwendung einer Papierstanze übrig bleiben. In einer anderen Arbeit verwendet sie die mit Farbe vermischten kreisförmigen Papierreste, um ein seltsam geformtes autobiografisches Werk zu schaffen, das sich auf die Zeit bezieht, die sie in Japan verbracht hat. Aber in dem unbetitelten Acrylbild hat sie ihre zweidimensionalen Spuren akribisch auf eine Leinwand gemalt, die ein illusionistisches Knickmuster enthält, als ob das Ganze in einen Schrank gestopft oder ungepflegt auf dem Boden liegen gelassen würde, bis es zu Unvollkommenheiten kommt nahm Gestalt an. Es ist eine komplexe Arbeit, die den Kopf auf eine Kette von Fragen setzt – wer hat diese Punkte gemacht, wer hat das Papier gestanzt und zu welchem ​​Zweck und was wurde auf den Seiten des gestanzten Papiers geschrieben? – die letztlich auf die Idee von Text oder Dokument hinweisen, die uns vorenthalten werden.

Dieser Frage muss sich die Macht rigoros stellen: Was wird uns vorenthalten? Diese Ausstellung ist eine praktische, pragmatische Antwort auf diese Frage. Aber natürlich wirft die Frage eine andere auf: Was halten wir uns selbst vor?

Magnetfelder: Erweiterung der amerikanischen Abstraktion von den 1960er Jahren bis heute ist bis zum 21. Januar im National Museum of Women in the Arts zu sehen. Weitere Informationen finden Sie unter www.nmwa.org.