Sarah Vaughan bekommt endlich die Biografie, die sie verdient

Zusammen mit Billie Holiday und Ella Fitzgerald gehört Sarah Vaughan zum Triumvirat der klassischen Jazzsänger. Gemeinsam legten sie den Grundstein für den zeitgenössischen Jazzgesang und prägten so die gesamte populäre Musik.

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Holiday war Gegenstand mehrerer bedeutender Biografien, und es gibt mindestens einen maßgeblichen Wälzer, der Fitzgerald gewidmet ist, und ein weiterer, mit Spannung erwarteter, wird bald folgen. Aber Vaughan hat nicht die gleiche Aufmerksamkeit erregt, was macht Königin von Bebop , von Elaine M. Hayes, umso notwendiger und spannender. Diese umfassende Untersuchung von Vaughans Leben und Werk profitiert von Hayes' technischem Wissen über Musik und ihrer gründlichen Recherche zum historischen Kontext.

In gewisser Weise ist Queen of Bebop jedoch ein irreführender Titel. Es schränkt den Umfang von Vaughans Musik und die tatsächliche Erforschung ihrer Karriere durch das Buch ein. Obwohl Vaughan sich als innovative Bebop-Sängerin etablierte, verbrachte sie einen Großteil ihres Lebens damit, sich von den Beschränkungen der Kategorie zu befreien. Hayes dokumentiert diese Reise mit akribischen Details. Nachdem sie einen reichen Fundus an Material gesammelt hat, organisiert sie ihre Präsentation rund um das Konzept des Crossovers, um Vaughans Flexibilität als Performerin und die Breite ihrer Karriere zu würdigen. Nach dieser Crossover-Reise ergibt sich eine solide Erzählung, die Vaughans Kämpfe, Triumphe und beispiellosen Erfolg als symphonische Diva dokumentiert, die Jazz an Orten singt, die zuvor klassischer Musik und Oper vorbehalten waren.

Als Chormädchen aus Newark gewann Vaughan die berühmte Amateur Night des Apollo und tourte mit Dizzy Gillespie, Charlie Parker und Billy Eckstine. Nach ihrem Auftritt in der New Yorker Town Hall 1947 wurden Kritiker auf sie aufmerksam und identifizierten sie als Trägerin von etwas Neuem. Hier war eine Sängerin, die wie ihre instrumentalen Landsleute den Jazz von der Dominanz des Swing in den Bereich einer komplexen, abstrakten, hohen Kunst durch Bebop verwandelte. Für Hayes war dies die erste Phase von Vaughans Reise von der Dunkelheit zum Crossover.

Obwohl es nützlich ist, eine lineare Erzählung von Vaughans Karriere zu organisieren, ist eine der unglücklichen Einschränkungen dieses Ansatzes eine Abwertung der sogenannten obskuren Zeit. Nur weil Vaughan weißen Fans populärer Musik unbekannt war, heißt das nicht, dass Vaughan in Vergessenheit geriet. Ihre Musikalität wurde in den Gemeinden, die die Kunstform am meisten schätzten, weithin anerkannt und geschätzt. Darüber hinaus, wie Hayes selbst feststellt, erweiterte Vaughan, als Vaughan hinüberging, den Klanggeschmack des amerikanischen Publikums und führte es durch ihren anspruchsvollen, avantgardistischen Gesang in alles Neue und Moderne ein.

Vaughan, die als Pianistin begann, brachte ihr Wissen über die zugrunde liegende harmonische Struktur der Musik ein. Ich bin wirklich eine Sängerin, sagte sie einmal. Ich wünschte, ich könnte Klavier spielen, wie ich denke, aber ich kann nicht. Meine Finger. Mein Verstand. Ich singe schneller. Ich kann denken, was ich denke, und es singen, aber ich kann es nicht spielen. Trotz seiner enormen Möglichkeiten war das Klavier für Vaughans schnelle Denkfähigkeit zu einschränkend. Ihre Stimme war das einzige Instrument, das es ihr ermöglichte, den vollen Umfang, Ton und die Tiefe dessen auszudrücken, was sie in ihrem Kopf hörte.

Zusätzlich zu den aufschlussreichen Diskussionen über Vaughans technisches Genie untersucht Queen of Bebop auch die Zeit, in der sie arbeitete. Vaughan wurde 1924 in Newark geboren, war ein Kind der Great Migration und lebte unter der schmerzlichen Realität von Jim Crow America. Ihre Eltern gingen von Virginia nach Norden auf der Suche nach größeren wirtschaftlichen Möglichkeiten und politischer Freiheit. Das Newark, in das sie zogen, hatte jedoch eine etablierte Geschichte der Rassentrennung und Unterdrückung, die Vaughans Erfahrungen als junger Künstler prägte. Auf Tour begegneten sie und ihre Bandkollegen einer Demütigung nach der anderen.

Während alle Musiker, mit denen sie reiste, rassistischer Gewalt ausgesetzt waren, war Vaughan auch geschlechtsspezifischer Gewalt ausgesetzt. Ihre Kollegen haben sie geschlagen. Der Eintritt in den Boys Club der Jazzinstrumentalisten war ein hoher Preis. Aber diese Bedingungen sowohl in Newark als auch innerhalb der Bands Earl Hines und Billy Eckstine boten Vaughan Gelegenheit, ihre natürlichen Fähigkeiten zu verbessern und in einer Gemeinschaft zu experimentieren, die Erfindungen schätzte. Schwarzes Publikum und weiße Jazzfans und DJs waren von zentraler Bedeutung, um sicherzustellen, dass ein breiteres Publikum sie hörte.

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Aber wenn die Gemeinschaften, die Vaughan hervorgebracht haben, Innovationen förderten, tat die Welt, in die sie einzutreten suchte, alles andere als. Hayes macht es besonders gut, die musikalische Landschaft des weißen Amerika der Nachkriegszeit zu erklären. In der zweiten Phase ihres Crossovers unterzeichnete Columbia Records Vaughan und beauftragte Mitch Miller, ihre Platten zu produzieren. Hayes identifiziert Miller richtigerweise als dem Kommerz verpflichtet. Er produzierte Hits für andere Künstler mit neuartigen Songs und stereotypen ethnischen Melodien, eine Strategie, die Künstler sowohl auf Schwarz als auch auf Weiß beschränkte, aber den Geschmack des Popmusikpublikums befriedigte. Mitch Miller wusste es nicht. . . wie man Rasse (oder ethnische Zugehörigkeit) nicht als Neuheitsmittel verwendet, schreibt Hayes. Er war im Einklang mit dem weißen Mainstream-Amerika, aber er hatte Mühe, die Kreationen schwarzer Künstler auf eine Weise zu präsentieren, die nicht stereotyp oder reduzierend war.

Vaughan widersetzte sich sowohl der eklatanten Kommerzialisierung von Miller als auch dem Anti-Kommerzialismus der Jazz-Puristen, indem sie ihren eigenen Weg einschlug. Sie brachte ihre Musik an Orte, die sich frühere Jazzsänger nicht vorstellen konnten. Am Ende ihrer Karriere, insbesondere mit dem Erfolg ihrer Interpretation von Stephen Sondheims Send in the Clowns, entwickelte sich Vaughan zu einer einzigartigen Künstlerin, die ihr Jazzfundament, ihre Bestrebungen zur populären Musik und ihren Wunsch nach dem Respekt, der den großen Operndivasen entgegengebracht wurde, vereinte .

Obwohl Hayes sich zu Recht auf Vaughans Musik konzentriert, beschönigt sie nicht Vaughans langjährige Vorliebe für Kokain und Marihuana oder ihr unglückliches Muster, ihre oft missbräuchlichen Ehemänner trotz ihres Mangels an Geschäftssinn und Erfahrung zu ihren Managern zu machen. Aber obwohl Drogenkonsum und schlechte Beziehungen Realität sind, dominieren sie Hayes' Darstellung von Vaughans Leben nicht; sie nehmen nicht die zentrale Bedeutung und das enorme Ausmaß ihres Talents und ihres musikalischen Beitrags. Dies ist, wie es sein sollte. Queen of Bebop modelliert einen Weg, das Leben und die Kunstfertigkeit von Jazzmusikern zu verstehen – eine, die ihre Bedeutung und Zentralität bei der Erschaffung des Besten, was Amerika der Welt zu bieten hat, unterstreicht.

Farah Jasmin Griffin ist Professorin für Anglistik, Vergleichende Literaturwissenschaft und Afroamerikanistik an der Columbia University in New York.

Von Elaine M. Hayes

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