Kunstkritik: „Magritte: The Mystery of the Ordinary, 1925-1938“ im MoMA

Die Gemälde des belgischen Surrealisten RenéMagritte, berühmt aus Buchcovern, Wänden von Studentenwohnheimen, Plattenalben und unzähligen anderen subtilen und nicht so subtilen Aneignungen der Popkultur, sind ein bisschen wie Epigramme: Clever, prägnant und nicht immer so tiefgründig wie sie scheinen zunächst. Viele davon zusammen in einer Ausstellung in New York zu sehen Museum für moderne Kunst , ist wie die Lektüre eines Buches mit Zitaten oder einzeiligen Anekdoten: Ein verstreutes Erlebnis, das erst Spaß macht, dann aber zunehmend frustrierend wird, da die Anstrengung des Betrachters immer weniger Substanz liefert.

Liebhaber von Magrittes schüchternem Stil, seiner eigentümlichen Stille und faszinierenden Rätsel werden in Magritte: The Mystery of the Ordinary, 1925-1938 viel zu genießen finden. Viele der berühmtesten Werke sind hier zu sehen und repräsentieren die Bekehrung und Entwicklung des Künstlers zu seinem charakteristischen surrealistischen Stil, in dem die Gesichter leer sind, die Einstellungen sparsam sind und alles mit der Klarheit und dem strengen Design kommerzieller Kunst wiedergegeben wird, aber sich dessen bewusst ist die Stilspiele der Moderne und die Geschichte der akademischen und klassischen Kunst.

Zu den Ikonen: Der Zug, der aus einem Kamin kommt (La Durée Poignardée), der Mann, der vor einem Spiegel steht, der seinen Hinterkopf und nicht sein Gesicht widerspiegelt (La Reproduction Interdite) und die Schilddarstellung einer Pfeife, begleitet von der paradoxe Aussage, dass dies keine Pfeife ist (La Trahison des images). Wenn Sie vergessen haben, wie diese Gemälde aussehen, gehen Sie in eine Buchhandlung und sehen Sie sich die Titelseiten in den Bereichen Philosophie und Literaturkritik an, wo Magritte anscheinend als quasi offizieller Illustrator für alles, was mit Repräsentation, Paradox und Schlüpfrigkeit zu tun hat, lizenziert ist der Sprache.

Auf die Frage, warum es in New York seit Jahrzehnten keine große Magritte-Ausstellung gegeben habe, sagte MoMA-Kuratorin Anne Umland, es könnte daran liegen, dass die Gemälde so berühmt sind. Wir kennen sie so gut, dass es keinen Grund gibt, Ressourcen für ihr weiteres Studium aufzuwenden. Eine gute Retrospektive fordert diese Selbstgefälligkeit heraus, aber die Voraussetzung für eine gute Retrospektive ist großartige Kunst, und es ist nicht immer klar, dass Magrittes Werk dieses Niveau erreicht.

Warum ist seine Arbeit so beliebt?

Magritte war klug und hatte ein Gespür dafür, die Bruchlinien der traditionellen Darstellung zu lokalisieren. Er fand prägnante, visuell überzeugende Wege, um neue Möglichkeiten für die Verwendung von Farbe zur Darstellung scheinbar unmöglicher Dinge aufzuzeigen. In seiner Découverte von 1927 malt Magritte eine Frau, deren Haut sich in Holzmaserung verwandelt, eine wiederkehrende Textur in den Collagen von Picasso und Braque. In den Les idées de l'acrobate von 1928 wurde eine weibliche Figur, die von einem Kubisten in mehrere Ebenen und Winkel geschnitten und gewürfelt worden sein könnte, schlangenartig zu einer schlangenartigen Kreatur verbunden, die eine Tuba hält, deren Anatomie so unzusammenhängend ist wie alles von Picasso , aber deutlich in einer einzigen, fließenden, fleischigen Figur wiedergegeben.

Die größere surrealistische Bewegung bot dem Betrachter auch eine Alternative zum Bruch mit der Repräsentation, den so viele andere Künstler im letzten Jahrhundert verfolgten. Magrittes Bilder mögen uns verblüffen, aber es geht immer um etwas. In einigen seiner frühesten Werke, die in den 1920er Jahren entstanden, scheinen sie obskure Erzählungen zu enthalten – ein Mädchen frisst einen Vogel lebendig, Männer spielen eine Art Ballspiel in einem Wald aus geschnitzten Holzpfosten – obwohl in den meisten seiner späteren Arbeiten die Erzählung fällt weg und die bilder handeln von malerei und dem unterschied zwischen einer sache und der darstellung einer sache. Sie mögen philosophisch sein, aber sie sind nicht visuell undurchdringlich.

Magritte kam auch aus der visuell reduzierten und verführerischen Welt der Gebrauchsgrafik. Eines der faszinierendsten Stücke der Ausstellung ist eine frühe Zusammenarbeit mit Paul Nougé, dem intellektuellen Rädelsführer der belgischen Surrealisten, der seltsame, kurze Texte zu Magrittes Illustrationen von Pelzmänteln in einem Katalog eines belgischen Kürschners von 1928 verfasste. Angeblich eine Form kommerzieller Werbung, verwischt es die Grenze zwischen Magrittes späteren surrealistischen Arbeiten und den neckenden, leichten Provokationen abenteuerlicher Werbung. In einem Katalog-Essay zur Ausstellung nennt Umland es ein heimtückisch subtiles surrealistisches Manifest.

Magritte zog eine scharfe Grenze zwischen kommerzieller Arbeit und Kunst und arbeitete sogar an einem wütenden Manifest gegen erstere. Doch er kannte die Tricks des Handwerks und musste, nachdem er während eines längeren Paris-Aufenthalts seine Karriere nicht aufbauen konnte, in den mageren Zeiten der 1930er Jahre wieder dorthin zurückkehren. Aus der Werbung hat er ein unfehlbares Gespür für Grafikdesign gelernt, und er scheint auch die dystopische Zukunft der Gebrauchsgrafik geahnt zu haben: Wie sie unser Leben mit Bildern und Botschaften überfrachtet.

Rein visuell gefällt Magrittes Kunst auch heute noch, weil sie karg, sauber und meist leer ist. Seine Leute mögen Chiffren sein, die in apokalyptisch leeren Räumen leben, aber heute sieht leer aus ziemlich einladend. Die klaren, präzisen Linien der architektonischen Moderne verfolgen selbst die altmodischsten seiner Innenräume, und obwohl viele von ihnen Bühnenbilder für dunkle und verstörende Botschaften sind, bleiben sie seltsam ansprechende Orte.

Magrittes Bilder machen auch eine begrenzte Art von künstlerischer Arbeit sehr gut. Sie beginnen an einem Ort und bringen Sie dann an einen anderen, mit einem befriedigenden Gefühl, die Bedeutung zu entwirren oder zu entschlüsseln. Sie reduzieren das künstlerische Schauen auf ein fast süchtig machendes Niveau, mit einer klaren und lohnenden Belohnung für ein kleines Studium.

Aber sie wiederholen sich enorm und sind nicht immer gut gemalt. Magritte hat sich immer wieder zu bestimmten Spielen hingezogen: Metamorphose (ein Fisch mit menschlichen Beinen), Illusionen mit Fenstern und Spiegeln, Bilder, die das Dargestellte ergänzen und unterlaufen, und unverblümt falsch beschriftete Objekte. Einige der besten Werke sind diejenigen, in denen das Spiel nicht sofort zu verstehen ist, wie in Les Jours gigantesque von 1928, in dem eine weibliche Figur von einem Mann begrapscht wird, dessen schattenhafte Form vollständig in ihren Umrissen enthalten ist. Es scheint, dass sie ihn anzieht oder auszieht wie ein Kleidungsstück, als ob er wie ein billiger Anzug über ihr liegt. Aber mit seiner dunklen Palette und einem Hauch von Angst im Gesicht fühlt es sich auch deutlich an wie ein Akt sexueller Aggression. Das Gemälde kann also nicht vollständig in einer geschickten Wendung der Darstellung enthalten sein. Es hat Konsequenzen.

Es ist jedoch eines der wenigen, das nach emotionaler Wirkung außerhalb der sauber begrenzten Parameter des visuellen Paradoxons greift.

Es lohnt sich leider nicht, sich die oft ungeschickte Maltechnik von Magritte genauer anzuschauen. Hände werden häufig steif und ungefährlich wiedergegeben, und wenn er versucht, seinen allgemein leeren und ziemlich maskenhaften Gesichtern Ausdruck zu verleihen, scheitert er normalerweise, wie in der Soumise von La Lectrice von 1928. Viele seiner Gemälde sehen in Reproduktionen besser aus – glatter und fertiger – als an der Wand.

Hartnäckige Magritte-Partisanen werden sagen, dass die meisten dieser Fehler alle Teil des Plans des Künstlers waren, das einfache Betrachten zu vereiteln und die Werkzeuge der Werbung und des Konsumismus zu verwenden, um vieles von dem, was wir an der bürgerlichen Gesellschaft für selbstverständlich halten, zu entlarven und zu kritisieren , einschließlich unserer einfachen Beziehung zu Bildern und Darstellung. Könnte sein. Er war ein Mann der Linken und gelegentlich Mitglied der Kommunistischen Partei.

Aber nachdem Sie sich mit den rund 80 Gemälden, Collagen und anderen Stücken der Ausstellung (einschließlich einer kleinen Anzahl interessanter Skulpturen und gemalter Objekte) beschäftigt haben, möchten Sie vielleicht, dass Magritte mehr zu bieten hätte. Joan Miro durchlebte einen Surrealismus, ohne dabei stecken zu bleiben. Während Magritte nach der Ausstellung in der MoMA-Show einige interessante und atmosphärische Gemälde produzierte, knackte er hauptsächlich Variationen derselben Handvoll Witze.

Magritte: Das Geheimnis des Gewöhnlichen, 1926-1938

im Museum of Modern Art in New York, bis 12. Januar. Weitere Informationen finden Sie unter www.moma.org .